Blu.

Arte en la calle. 

Este artista del que poco se sabe, apenas conocemos que es italiano y que sus primeros trabajos se dieron a conocer en 1999, no realiza simples dibujos decorativos. Intenta transmitir un mensaje y para ello hace figuras monumentales que después va modificando hasta crear una animación. Suelen aparecer de forma anónima en cualquier lugar, ya que se mueve por todo el mundo.

Para saber más acerca de él visita su página:

www.blublu.org 

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Dale Chihuly.

    Artista nacido en 1941 en Tacoma, Washington. Gracias al estudio de diseño de interiores en la Universidad de Washington comenzó a interesarse por el vidrio.
    Tras graduarse en 1965 se einscribió en la Escuela de Diseño de Rhode Island donde posteriormente se instaló un programa sobre el vidrio.
    En 1968 recibió la beca Fulbright y se fue a trabajar a una fábrica de vidrio en Venecia.
    Chihuly ha llevado a la vanguardia el uso del vidrio y su obra está presente en más de 200 colecciones de cien museos en todo el mundo. Ha recibido numerosos premios, incluyendo dos becas de la Fundación Nacional de las Artes.

     Para más información:

http://www.chihuly.com/

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Artista número...

Fabrizio Plessi.

Artista italiano nacido en Reggio Emilia en 1940.

Muy versátil, domina pintura, vídeo, instalación y escenografía.

Estudió en el Liceo Artístico y en la Academia de Bellas Artes de Venecia donde se centra en la pintura y se hace profesor de esta disciplina.

A partir de 1968 el agua será uno de los temas principales de su obra.

Entre 1970 y 1972 expone en el pabellón experimental de la Bienal de Venecia.

De 1975 a 1983 da a conocer su obra enseñándola e diferentes espacios públicos. De nuevo, en 1978 expone en la Bienal de Venecia (ha expuesto varios años, no mencionaré todos). En 1981 participa en el festival de Cine de Venecia.

Poco a poco se va formando su personalidad artística, que combina vídeo y estructuras tridimensionales. Juega con el ilusionismo, con la línea que separa realidad de representación. Para ello realizará numerosas instalaciones.

En 1986 vuelve a la Bienal de Venecia representando a Italia, lo hará con una de sus obras más importantes: "Bronx".

1987: Participa en Documenta 8 de la mano su monumental instalación "Roma".

1989: Participa en la escenografía y vestuario de "The Fall of Icarus" en colaboración con Frederic Flemand para la coreografía de Michael Nymons para "La Monnaje" de Bruselas, Ópera Nacional.

1991: "Roma II" para el Museum Moderner Kunst.

1992: sigue colaborando con Frederic Flemand en escenografías electrónicas.

En los siguientes años realiza más instalaciones y escenografías de la misma clase.

Ejemplos de últimos trabajos:

2005: una nueva versión de Mare Verticale de una altura de 44 metros y que fue el símbolo de la Bienal de Venecia.

2009: "Il Pozzo Dei Sogni D'aqua" en colaboración con Bill Viola.

Fotografía Marjorie Och. 

(el resto de fotografías son del propio artista)

5 ARTISTAS.

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Antonio Abad.

"Bodegón"

Imagen de Antonio Abad

    Artista formado en la Escuela de Artes de Vigo y en el Taller del Prado en Madrid. Desde 1990 ha expuesto individualmente en diversos lugares de España y Portugal y de forma colectiva en Europa y Nueva York (EE. UU. ). 

    Su obra es figurativa; paisajes, bodegones y desnudos son sus principales modelos. Las técnicas que más emplea son el pastel solo o de forma mixta y el acrílico. Su soporte suele ser el cartón o el papel encolado. El acabado de sus cuadros tiene bastante parecido con el Impresionismo, algo más matérico, y les añade un toque de Expresionismo. Los cuerpos se van desvaneciendo y diluyendo, todo es volátil.

    La mayoría de sus exposiciones han tenido lugar en Galicia; algunos ejemplos son: la Sala de Arte Caixanova (2004, Vigo), Sala Área Central (1998, Santiago de Compostela), Sala de Arte Caixa Poentevedra (1992). Exposiciones realizadas en España y Portugal, mencionaré: Galería Santa Bárbara (1995, Madrid) y Museo de Alhandra (1996, Lisboa). Exposiciones en el extranjero, todas colectivas: J and C Art Gallery (1999, Nueva York), Centro de arte Affari (1996, Florencia, Italia), XVIII Salón Internacional (2000, D’Orval, Francia), etc.

    Si hablamos de premios a destacar, diré: primer premio de pastel en el 3º Salón Internacional de Artes Plásticas de Barcelona (1998) y el Diploma di Merito el 7º Premio de Pintura “Remo Brindisi” (1999, Ferrara, Italia).

    Además de todo esto, podemos encontrar la obra de Antonio Abad en algunas colecciones permanentes como la de la Caixa Pontevedra o en la Cámara M. de Braga en Portugal, entre otras.

    La obra de Antonio Abad destaca por el seguimiento de la tradición a la que aporta su personalidad y frescura. No intenta hacer grandes innovaciones y en cambio prefiere seguir con la técnica, casi olvidada, del pastel. Técnica que maneja muy bien y con la que ha conseguido no caer en la ñoñería

Rafael Lozano-Hemmer.

Rafael Lozano-Hemmer.

"Pulso de tanque", fotografía de Lozano-Hemmer

    Artista mexicano (Ciudad de México, 1967) que gracias a sus conocimientos en electrónica (es licenciado en Físicas por la Universidad Concordia de Montreal, Canadá) la emplea a su antojo en la realización, principalmente, de toda clase de instalaciones.

    La temática de sus obras está siempre relacionada con la tecnología, la vigilancia mecanizada, la biomecánica y, como se ha dicho anteriormente, todo lo que se aproxime a la electrónica. A esto hay que añadirle la importancia de la interactividad de las instalaciones, rozando muchas veces la performance.

    Lozano-Hemmer ha realizado numerosas exposiciones. La exposición individual más reciente, “Pulse Show”, se muestra actualmente en el Beall Center (Universidad de California). Exposiciones colectivas destacaré “Abrir end” en la Expo 2010 de Shanghái (China), y en 2008 “Máquinas y Almas-Máquinas y Almas” en el Museo Nacional Reina Sofía, Madrid (España).

    La lista de premios y becas que ha conseguido es larguísima, algunos ejemplos son: Mención de Honor en Ars Electrónica (1995) Linz, Austria; Premio a la Excelencia en el Media Arts Festival 2000 de Tokio, Japón; Beca Rockefeller-Ford, Nueva York 2003, Premio Mundial de Tecnología de Red de las Artes, San Francisco 2003; etc.

    La mayoría de sus proyectos están explicados y expuestos en su página web www.lozano-hemmer.com . Algunos de ellos son: “Pulso de caracol” 2008, “Reacción Difusión” 2009, “Enredo” (Subsculpture 6) 2005; o por último, “Pulso de tanque” 2008. Este último requiere, como la mayoría de sus trabajos, de la participación activa del público quien tendrá que introducir sus dedos en unos cilindros colocados al lado de unas cisternas; el ritmo cardiaco del participante es detectado por una serie de sensores y posteriormente transformado en ondas de agua.

"Pulso de caracol",fotografía de Lozano-Hemmer

    En resumen y repitiéndome; electrónica, luz y sombras, lo virtual y lo real, la animatrónica, y otra serie de elementos artificiales y mecánicos hacen de la obra de Hemmer una especie de mundo futurista cercano a la ciencia-ficción, y en ocasiones a las pesadillas, que podría ser considerado una modernización del ilusionismo.

AES+F

                                            AES+F

Imagen de AES+F

    Grupo formado por cuatro artistas, Evzovich Lev, Vladimir Fridkes, Tatiana Arzamasova y Evgeny Svytasky. Sus primeros trabajos datan de 1987, teniendo a sus espaldas un extenso número de obras compuesto por fotografías, esculturas, vídeos e instalaciones donde mezclan todo; no se privan de casi ningún campo.

    AES+F ha realizado un sinnúmero de exposiciones, algunas de las últimas (individuales) son: 2008 MACRO (Museo de Arte Contemporáneo de Roma), 2007  Museo  de Arte Contemporáneo de Houston, EE. UU. , y la más reciente en España (2006) en la galería Salvador Díaz (Madrid).

    Sus último trabajo (año 2009) se titula “La Fiesta de Trimalción”. Con esta obra intentan hacer una actualización de la obra con mismo título perteneciente al Satiricón de Petronio. Reflejan el lujo, la gula, las jornadas de placer que se muestran en el libro pero con personajes cuyos roles son actuales (limpiadoras, botones, jefes, etc.); haciendo una crítica y revisión de la sociedad occidental actual.

    Han hecho gran cantidad y variedad de  trabajos pero sin duda uno de los más conocidos es el Proyecto Islámico, obra que se extendió durante siete años (de 1996 a 2003). Este proyecto consiste según las palabras del grupo en “una especie de psicoanálisis social-visualización de los miedos de la sociedad actual sobre el Islam. “. Además de este trabajo mencionaré “Last Riot”, “¿Quién quiere vivir para siempre?”, “Sospechosos”,  “Amarillo es de cocina, uno blanco está comiendo” (vídeo), etc. Para más información pongo la dirección de su página: http://www.aes-group.org/, en ella está explicado el concepto de cada obra con sus correspondientes imágenes.

    Está claro, como podemos ver en su página web, que AES+F da mucha importancia al concepto y quiere que éste llegue al público. Aunque este mensaje varíe en cada obra, por encima de todo, sobresale la intención crítica de todas ellas.

Imágenes de AES+F

Miguel Ángel Blanco

La Biblioteca del Bosque

Imagen de Miguel Ángel Blanco

    Artista nacido en Madrid en 1958 y que a principios de los ochenta se traslada a vivir al bosque, concretamente en el Valle de la Fuenfría (Cercedilla). Su intención era buscar la soledad en estos parajes para poder definirse como artista. Intenta germinar en los bosques, sentirse más en contacto con la madre tierra y así poder participar de la experiencia transcendental que otorga la Naturaleza.

     Su trabajo más importante es “La Biblioteca del Bosque”, obra iniciada en 1985 y que aun hoy, formada por 1078 libros-caja, continúa. Se trata de un trabajo lento y constante, similar al desarrollo de un árbol. Cada caja representa uno de ellos y cada elemento tiene gran simbolismo. Por ejemplo, el libro es un instrumento de transmisión de conocimientos; a esto le añadimos el papel “transformación sutil del corazón leñoso” (Miguel Ángel); la caja es un santuario hermético sellado con vidrio,  el contenido de cada una de ellas está formado por elementos encontrados alrededor del árbol como líquenes, musgo, etc.

    Aunque algunos ejemplares se han expuesto por separado en diversos lugares, la idea es que la biblioteca sea un todo inseparable, una unidad que algún día pueda ser custodiada en un museo integrado en el paisaje al que pertenece.

    Su forma de trabajo es bastante significativa, él elabora todo. De esta manera logra independencia y como él dice “evita la contaminación externa”. No importa la lentitud del trabajo ya que él busca el desarrollo a través de la experiencia.

    Además de la Biblioteca del Árbol tiene más obras. Todas de alguna manera giran entorno a la naturaleza. Los materiales que emplea suelen ser, además de la madera, el hierro o el cristal. Pero no solo tiene esculturas o instalaciones, también hace dibujos; un ejemplo es la serie grafiada con hojas de coníferas impregnadas en tinta sobre papel de Nepal. Gracias  a esta técnica adquieren apariencia de brumosos paisajes orientales. También debemos mencionar sus grabados, que al igual que sus dibujos, no tienen un carácter figurativo sino que juega con la ambigüedad  y  el sentido orgánico de la mancha.

    Las obras de Miguel Ángel Blanco han sido expuestas en diversas galerías y museos nacionales e internacionales como son el Museo del Libro en Madrid o el Museo Nacional Centro de arte Reina Sofía (Madrid); formando además parte de las colecciones de este último y de muchos museos más (ejemplo: Colección de Arte Contemporáneo de la Unión Europea en Bruselas). También ha ganado numerosos premios que van desde el III Premio Nacional de Grabado (1995) hasta el Premio de Pintura L´Óreal IX Edición (1993) sin contar otros.

    La forma de vida que lleva el artista y la manera de trabajar que tiene, acompaña tanto al resultado final de la obra como al significado de ésta. Logrando un desarrollo lento pero firme.

Dulce Pinzón

Imagen de Dulce Pinzón.

    Artista mexicana (Ciudad de México 1972) con formación académica en Medios de Comunicación y fotografía. Después de trasladarse a Nueva York (EE. UU.) en 1995 su obra artística empieza a ser enfocada hacia temas sociales relacionados con la integración social de los inmigrantes, la mayoría latinoamericanos; y el concepto de raza.

    Dulce Pinzón realiza imágenes de gran contenido crítico-social, buena muestra de ello son sus tres proyectos actuales: People I like, Superheroes y Multiracial.

    En la primera nos enseña varios artistas latinos de diferentes campos del espectáculo y la música en Nueva York. Todos ellos caracterizados como triunfadores y engrandecidos como divas.

   Con Superheroes hace una democratización del concepto de héroe. Todos lo somos llevando a cabo nuestras tareas y trabajos cotidianos. Claro está, como buena defensora del pueblo latino, los retratados  pertenecen a él. Con los disfraces de Hulk, Spider Man, Cat Woman, etc; logra imágenes bastante cómicas.

   La ambigüedad del concepto de raza es el tema que engloba su serie Multiracial. Con la globalización todos pertenecemos o tenemos parte de otros lugares. Somos mezcla de más mezclas con lo que el racismo carece de sentido.

Juan Zamora

    Joven artista que compagina su creación artística con la docencia universitaria. De  corta trayectoria pero intensa y fructífera. Su obra a nivel formal está basada principalmente en el dibujo. Un dibujo actualizado y modernizado gracias a diversos recursos.

    Se trata de un dibujo naif que representa diversos personajes, muchos de ellos a modo de cadáver exquisito (híbridos y seres antropomórficos). Este estilo de dibujo contrasta con el contenido sexual, grotesco y siniestro de las imágenes. Creaciones siempre pinceladas con una nota de humor.

    Su modernización o actualización del dibujo se debe en parte a las animaciones que ha creado y a su posterior montaje en instalaciones. Estas animaciones son muy sutiles, tratándose en su mayoría de pequeñas vibraciones del personaje y en ocasiones acompañadas de sonidos cortos y repetitivos. La sutileza de estas alteraciones en el cuerpo del personaje (de naturaleza estática) crea una gran sorpresa en el espectador a la vez que no les resta verosimilitud.

    La obra de Juan Zamora está cargada de ilusionismo, crítica, paradojas, sexo y esperanza. Ha creado otra realidad con pocos recursos técnicos y mucha sencillez formal pero con mucho ingenio y seguro, con muchas horas de proyección. Aunque suene típico, lo digo: menos es más.

Imagen obtenida de elmaleterodelaviajera.blogspot.com